Bei der Frage wo man eine neue Band entdeckt hat verhält es sich unserer Meinung nach ein bisschen so wie beim Dating. Es gibt coole und weniger coole Antworten. Und „Spotify“ zählt nun nicht wirklich zu den Besten. Wir wünschten zwar wir hätten Julia-Sophie das erste Mal z.B. bei einem kleinen lokalen Festival in England gesehen, aber letztendlich ist das auch egal und zumindest ihr könnt jetzt sagen, dass ihr von dieser tollen Avant-Pop-Künstlerin bei eurem Lieblingsblog erfahren habt 😉 In “Durchgehört” stellen wir euch heute Julia-Sophie kurz vor und dann könnt ihr einen tiefen Einblick in den spannenden Songwriting-Prozess erhaschen.
EP “heartbroken </3”
Inmitten einer globalen Pandemie wagte Julia-Sophie den Schritt in ein neues Abenteuer. Die Anglo-französische Künstlerin wuchs zwischen dem englischen Oxford und den Bergen von Lyon/Beaujolais auf und verbrachte ein Jahr in Zaragoza, Spanien. So vielseitig wie ihr Background ist auch ihre musikalische Geschichte. Nach ihren Erfolgen mit der Garage-Rock-Band Little Fish und dem Dream-Pop-DIY-Kollektiv Candy Says startete sie nun ihr Solo-Projekt. Fesselnder Electro-Pop trifft auf klassisches Songwriting trifft auf Retro-Ästhetik und genau unseren Geschmack. Lest hier nun, was sie zu den einzelnen Songs auf ihrer EP “heartbroken </3” zu sagen hat.
1. and you know it (AYKI)
Ich schrieb den Song an meinem kleinen hölzernen Schreibtisch sitzend, mit meiner Akustikgitarre um die Schulter geschnallt und sang leise in ein Mikrofon, das ich in der Nähe verkabelt hatte. Bis zu diesem Tag hatte ich eine Phase durchgemacht, in der ich nur zu einem Beat schrieb, aber für AYKI gab es keine Drum-Maschine oder einen Beat, der mich gefesselt hätte, hier hatte ich nur mich selbst und meine Emotionen, um den Flow zu halten. AYKI entstand, nachdem ich einen Streit mit jemandem hatte, den ich sehr liebe und der mich sehr traurig machte. Ich fühlte mich verärgert und frustriert, zermürbt und müde, aber zu meiner Schande fühlte ich auch Groll und Wut auf diese Person, weil sie mich so fühlen ließ, wie ich es tat. Wenn ich zurückdenke, war ich in einem defensiven Zustand, als ich zu schreiben begann, und wollte diesen Schmerz zurückschleudern, ihn von mir wegschlagen, weil ich dachte, dass dies meinen Schmerz lindern würde. Ich wollte, dass diese Person nicht nur die Verantwortung für meine Verletzung übernimmt, sondern auch für ihre Verletzung? Ich brachte mein Herz zu Papier und dies waren die ersten Worte, die aus mir herausfielen: “What’s the matter? did you hurt yourself? You thought you loved me or was it someone else?”.
Als ich dann AYKI im Studio aufnahm, wusste ich sofort, dass ich den folkigen, Singer-Songwriter-Vibe herausnehmen und in meine elektronische Welt transportieren würde (das ist das, was ich die meiste Zeit mache, wenn ich schreibe). Im Studio spielte ich mit Beats und verschiedenen Synthesizer-Sounds herum und war mit den ersten Entwürfen zufrieden. Im Gegensatz zur endgültigen Version war dieser erste Entwurf einfach, sanft und peppig.
Zu der Zeit war ich sehr zufrieden damit und beschloss, es zwei meiner engsten Freunde vorzuspielen. Zu meiner Überraschung reagierten sie ziemlich negativ darauf. Als der Song zu Ende gespielt war, waren meine beiden Freunde still und scheinbar sprachlos und das nicht auf eine gute Art und Weise. Einem Freund gefiel der Track so wenig, dass er aus dem Raum ging, ohne mich anzusehen, und sich mit irgendetwas beschäftigte, um sich von der Situation abzulenken, und das alles ohne ein Wort. Er mochte den Track so wenig, dass er keine freundlichen Worte fand. Mein anderer Freund kämpfte ebenfalls damit, freundliche Worte zu finden, er stolperte offenkundig über Worte und versuchte angestrengt, etwas Positives zu sagen. Offensichtlich hatte der Song bei ihnen nicht die gleiche Resonanz wie bei mir.
Von dieser Erfahrung fühlte ich mich enttäuscht, da ich so aufgeregt gewesen war, ihnen den Track vorzuspielen und diese Reaktion nicht erwartet hatte. Ich wusste nicht, was ich tun sollte, außer zu hinterfragen, was ich da tat? Insgesamt habe ich mich, nachdem ich meine anfängliche Traurigkeit überwunden hatte, gezwungen, ziemlich tief darüber nachzudenken, was ich erreichen und kommunizieren wollte und wie ich das in meinem neuen Werk tun wollte. Ich denke, wenn ich wirklich an meinen Song geglaubt hätte, hätte ich nichts geändert, aber tatsächlich hat diese Erfahrung alles verändert.
Ich habe an etwa zwanzig verschiedenen Versionen von AYKI gearbeitet und jede Version war anders; einige Versionen waren mehr beat-getrieben und andere weniger. Ich habe auch mit der Struktur des Songs gespielt, Teile herausgenommen, Abschnitte hinzugefügt, alle möglichen Dinge. Ich habe mit Sounds gespielt und war besonders daran interessiert, mit Texturen zu spielen, Sounds bis an ihre Grenzen zu treiben, sie umzukehren, zu schichten, alles Mögliche. Am Ende verlor ich mich völlig und verlor zunehmend die Essenz dessen, was ich ursprünglich geschrieben hatte. Eines Tages dämmerte mir, dass die Lösung darin bestand, mit dem Denken aufzuhören und mit dem Fühlen zu beginnen. Sobald ich das tat, wurde der Song zu dem, was er heute ist; meinen Geist zu klären und alle Erwartungen herauszunehmen war die größte und hilfreichste Lektion. Es bedeutete, dass ich dann frei war, zu erschaffen, was immer ich wollte, und die einzige Person, die ich zufriedenstellen musste, war ich selbst.
2. cctv
“CCTV” war der erste Song, den ich aufnahm, als ich mit der Arbeit an der EP begann. Bevor ich ins Studio ging, hatte ich in meinem Kopf entschieden, dass ich eine zweite EP machen wollte, die mehr Uptempo sein würde als die erste. Ich hatte das Gefühl, dass die erste EP “y?” durch den Song und das Tempo eingeengt war, und dieses Mal wollte ich die Elastizität und Unvorhersehbarkeit des Lebens widerspiegeln, seine Emotionen nicht verlieren, sondern uns Menschen die Freiheit geben, uns darin zu bewegen, mit dem Flow zu gehen. Ich beschloss, dies zu tun, indem ich nicht immer mit fertig geformten Songs und Ideen ins Studio ging, sondern mit nichts kam und mit dem arbeitete, was sich in diesem Moment zeigte. Ich wollte, dass diese EP nach ihrem Prozess und ihrer Kreativität klingt, dass sie lebendig klingt. Mit diesen Ideen im Hinterkopf legte ich für CCTV einen grundlegenden Uptempo-Drumbeat fest und spielte mit Sounds, von denen ich dachte, dass sie eine gute Basis für einen Track wären.
Als es darum ging, eine Melodie und einen Text zu schreiben, hatte ich ursprünglich vor, etwas Leichtes und Lustiges zu schreiben, aber nein, wie immer schlüpfte ich in meine unvermeidliche, gelebte Traurigkeit, und das war’s. Zu der Zeit hatte ich Liebeskummer, warum hätte ich also etwas anderes singen wollen? Ich wollte nicht von meiner Wahrheit abweichen. Ich improvisierte den Text und die Melodie und akzeptierte sie so, wie sie war. Es gab nichts Vorhersehbares in meinem Leben zu dieser Zeit und für mich spiegelt dieser Song dies wider. Was diesen Song für mich besonders macht, ist, dass er keinen Refrain hat, oder noch wichtiger, die Musik ist der Refrain. Manchmal gibt es keine Worte, um zu beschreiben, was wir fühlen.
3. i wish
Ich weiß nicht mehr genau, wie “I Wish” entstanden ist, aber ich erinnere mich, dass ich mit verschiedenen Drumcomputern experimentiert habe, einem CR78-Klon, Drumbite usw., Beats übereinandergelegt und dann durch einen EMI-Limiter gemischt habe. Es fühlte sich wirklich wie Magie an, als dieser treibende Beat aus diesen Experimenten hervorging, und um ehrlich zu sein, das war es für mich. Ich wollte von da an nicht mehr viel ändern. Mit dem Flow zu gehen war die Essenz für die EP, ich wollte aus der Struktur und der Vorhersehbarkeit eines Songs ausbrechen. In diesem Sinne schloss ich meine Augen und improvisierte verschiedene Melodien über den Beat, versuchte mein Bestes, mich in den Schichten zu verlieren und meinen Körper spüren zu lassen, was er sagen wollte. Ich habe auch davon geträumt, dass die Leute tanzen, und so habe ich bewusst Raum im Song gelassen, damit die Leute sich in der Musik verlieren können. Ich wollte nicht alles mit meinem Gesang überladen und mich auch von der klassischen Songstruktur entfernen.
Nach meiner ersten Erfahrung, meine Musik meinen engen Freunden vorzuspielen, habe ich beschlossen, die Musik niemand anderem als Siobhan Cox vorzuspielen, weil ich ihrem Geschmack mehr vertraue als jedem anderen, den ich kenne (Siobhan macht alle meine Visuals und erweckt meine Musik wirklich auf einer anderen Ebene zum Leben). Siobhan hat eine angeborene Fähigkeit, Dinge tief zu fühlen, und ich respektiere ihre Ideen und Gefühle rund um meine Songs. Manchmal, wenn ich ihr Songs vorspiele, weist sie mich auf Dinge hin, aber immer auf eine freundliche Art und Weise und wenn sie spricht, vertraue ich dem, was sie sagt. Als wir die Songs besprachen, an denen ich arbeitete, habe ich ihre Ideen entweder aufgegriffen oder nicht, je nachdem, wie ich mich dabei fühlte. Ich habe lange darüber nachgedacht, warum ich mich entschieden habe, die EP so aufzunehmen und zu produzieren, wie ich es getan habe, und ich habe keine meiner Entscheidungen bereut.
4. love let you down (LLYD)
Für LLYD hatte ich ein paar Monate vor der Arbeit daran zufällig einen Synthesizer-Part voraufgezeichnet. Ironischerweise mochte ich ihn nicht sonderlich und habe bis heute keine Ahnung, warum ich an diesem Tag stur daran gearbeitet habe, aber aus welchem Grund auch immer, ich tat es. Diesmal saß ich an meinem winzigen Schreibtisch, drückte auf meinem Handy auf “Play” und ließ den Synthie-Teil abspielen. Ich saß da, keine Gitarre, Augen geschlossen und tastete mich an Worte und Melodie heran. Ich nahm die Worte und die Melodie auf, die mir aus dem Mund fielen, und das war so ziemlich genau das, was man in der endgültigen Version hört. Produktionstechnisch habe ich den originalen Synthie-Part herausgenommen und ein Stück darum herum kreiert, das mir gefiel. Ich habe den Prophet 5 benutzt, um alle möglichen Sweeps und Geräusche zu erzeugen, und den SH2 kombiniert mit einem CS50 für den Bass. Ähnlich wie bei “I Wish” kam der Track recht schnell zusammen, nachdem er seinen klanglichen Weg gefunden hatte.
Mein Ziel für diese EP war es, etwas anderes als “y?” zu schaffen, nicht nur auf klanglicher Ebene, sondern auch in Bezug auf den kreativen Prozess. Es war mir wichtig, abzuweichen und andere Bereiche meiner Kunst zu erforschen, bevor ich mich auf einen bestimmten Stil festlege. Ich weiß, dass ich “y?” hätte neu erschaffen können, wenn ich es gewollt hätte, aber es war mir wichtig, das nicht zu tun. Vielleicht liegt das an meiner rebellischen Natur und auch an meiner Abneigung, mich zu wiederholen, ich weiß es nicht, aber was ich weiß, ist, dass ich es wirklich genossen habe, einen ganz neuen Prozess zu erforschen. Ich habe die EP nicht vielen Leuten vor der Veröffentlichung vorgespielt und war daher überrascht von der Liebe, die die EP erhielt, aber auch dankbar. Ich denke, dass ich in mancher Hinsicht ein wenig mehr von meinem Herzen abgewichen bin, als ich hätte tun sollen, und mich in nerdige Produktionssachen verrannt habe, aber ich bin mir dessen bewusst und freue mich jetzt wirklich darauf, in meiner kommenden Arbeit etwas einfacheres und weniger defensives zu erforschen. Ich habe bereits begonnen, an neuen Songs zu arbeiten, und ich kann euch gar nicht sagen, wie aufgeregt ich bin. Ich spüre eine gewisse Leichtigkeit, die ich bisher noch nicht in meiner Arbeit einfangen wollte oder mich selbstbewusst genug fühlte, sie den Leuten zu zeigen.
